Cityscapes meet radio silence, bird calls are doubled, redoubled, and calm handwritten letters lodge frenzied ideas about the universe. The violin acts as a means of meditation on nature, silence, and the rupture of tension, a liberation of sound and ideas. »Torn« finds personal solitude in different kinds of repetition, musical stasis that becomes stillness or noise as a listener tunes in or loses focus. Listeners will experience the violin, at times nakedly alone, amplified or interplaying with electronic audio material in a selection of works by composers Bahar Royaee, Carola Bauckholt, Farzia Fallah, Stuart Wheeler, Peter Ablinger and Jack Sheen. These pieces are, at times, like poems dismembered and translated into sounds, some vocal, some visual, some stuck in the throat and some parroted by our fellow animal cousins. In this collective meditation we begin to question whether a piece of music is meant for public consumption. In »Torn«, the violin is pitched and repitched, the violinist acts as a sage, storyteller, messenger, arbiter, while the audience dances cautiously between the humming light and abstracted melodies.
Stadtbilder begegnen Funkstille, Vogelrufe werden verdoppelt, verdoppeln sich erneut, und ruhige handgeschriebene Briefe bergen fiebernde Ideen über das Universum. Die Violine dient in diesem Konzert als Mittel der Meditation über Natur, Stille und das Brechen von Spannung – eine Befreiung von Klang und Gedanken. »Torn« findet persönliche Einsamkeit in verschiedenen Formen der Wiederholung, in musikalischer Statik, die zu Stille oder Lärm wird – je nachdem, ob das Publikum in sich hineinhorcht oder den Fokus verliert.
Das Programm: Eine kollektive Meditation
Die Violine präsentiert sich mal nackt und allein, mal verstärkt oder im Zusammenspiel mit elektronischem Audiomaterial mit einer Auswahl von Werken der Komponistinnen und Komponisten Bahar Royaee, Carola Bauckholt, Farzia Fallah, Stuart Wheeler, Peter Ablinger und Jack Sheen. Diese Stücke sind bisweilen wie zerlegte, in Klang übersetzte Gedichte – manche vokal, manche visuell, manche im Hals steckenbleibend, manche nachgeplappert von unseren tierischen Vettern und Cousinen. In dieser kollektiven Meditation beginnen wir zu fragen, ob ein Musikstück überhaupt für den öffentlichen Konsum gedacht ist. In »Torn« wird die Violine gestimmt und umgestimmt, agiert als Weise, Erzählerin, Botin, Schlichterin, während das Publikum behutsam zwischen summendem Licht und abstrakten Melodien tanzt.
Programm, Besetzung und Werkeinführungen
Programm
Besetzung
Adam Woodward, Violine
Arsalan Abedian, Klangregie
Werkeinführungen
Bahar Royaee: »a hair on the skin of the water on the lake« (2020)
»Ein Haar auf der Oberfläche des Sees« handelt von den Wiederholungen eines Standbildes (oder Klangs), das sich in den Erinnerungen des Geistes bewegt.
Am Horizont sind Klänge zu hören; und am Horizont des Klangs liegt verstummtes Rauschen. Am Horizont der Erinnerung gibt es die Erinnerung an ein Bild-Geräusch, das jedes Mal, wenn es wieder in den Sinn kommt, zerbricht und sich in etwas anderes von sich selbst verwandelt. Es gibt einen Klang, der sich auf der Oberfläche meiner Erinnerungen bewegt, wie ein Haar, das auf der Wasseroberfläche tanzt. Diese Melodie ist Asghar Baharis (ein iranischer Kamancheh-Spieler und Komponist des 20. Jahrhunderts) »Pish Darāmad e Isfahan«, und »Ein Haar auf der Wasseroberfläche des Sees« versucht, sie durch Wiederholung, Umarmung des Körpers und den Einsatz von Fehlern zu rekonstruieren. Dieses Stück war der Wendepunkt in meiner Erkenntnis, dass ich mich auf einen Stil konzentrieren wollte, dessen Funke mein Stück »Tombstone« war: die Arbeit mit Rhythmus als physikalischem Phänomen und der gleichzeitige Umgang mit mehreren Zeitachsen. Dieses Stück ist das Ergebnis einer engen Zusammenarbeit mit Adam Woodward und seiner Violine, ohne die es nicht zum Leben erweckt worden wäre. (Bahar Royaee)
Später Frühling 2020. Wir müssen uns auf eine neue Realität einstellen – wer weiß, für wie lange. Die Festivals finden den Sommer über online statt, und ich lerne Bahar online kennen. Wir tauschen Gedichte, Musik und persönliche Gedanken aus. Wir treffen uns über Zoom, unterhalten uns und probieren musikalisches Material mit Low-Budget-Mikrofonen in unseren Wohnungen in Minneapolis und New York City aus. Bahar und ich haben uns noch nie persönlich getroffen, aber wir kennen uns. Diese Gefühle fließen in ein einfühlsames Solostück für verstärkte Violine ein, das auf sorgfältiger grafischer Notation basiert und sich an den Verzierungstechniken der Kamancheh, eines persischen Streichinstruments, orientiert. Die Uraufnahme ist selbst aufgenommen, mit Nahmikrofonierung und bei gedämpftem Licht. Meine Haare sind zerzaust. In diesem Stück ist der Bogen ebenso wichtig wie die geisterhafte Melodie auf der Violine; wir hören die Haare, wir spüren die Bewegungen des Arms in uns. (Adam Woodward)
Carola Bauckholt: »Doppelbelichtung« (2016)
Vogelstimmen besitzen eine unglaubliche Intensität – hervorgerufen durch die Syrinx im Kehlkopf des Vogels. Sie haben überhaupt keinen Kehlkopf, sondern mehrere Bronchien mit inneren und äußeren Membranen, den Trommelfellen, die von einem komplexen Muskelsystem gesteuert werden. Dadurch lassen sich die fast zweistimmig anmutenden Sprünge und die rasanten Verzierungen erzeugen. Die Geige ist das einzige Instrument, das diese extreme Tonhöhe erzeugen kann – allerdings durch einen völlig anderen Vorgang. Genau deshalb reizt es mich so sehr, beide Welten zusammenzuführen, wie eine „Verengung“ im Kontrapunkt. Mein Streichquartett »Lichtung« aus dem Jahr 2011 arbeitet bereits mit fotografisch exakten Transkriptionen von Vogelstimmen. Bei der Aufführung des Cikada Quartetts beim Ultima Festival 2013 war ich völlig fasziniert davon, wie Karin Hellqvist die feinsten Nuancen der Originalklänge, z. B. eines Schlächtervogels, mit der Geige nachahmen konnte. Diese Feinheiten erfordern unterschiedliche Spieltechniken und vor allem viel Einfühlungsvermögen und ein feinstes Gehör. Karin Hellqvist wollte daraufhin eine „virtuose Vogelstimme“ sein dürfen und beauftragte mich, dieses Solostück zu schreiben. Die Doppelbelichtung ist eine Technik aus der analogen Fotografie, bei der ein Bild über das vorherige gelegt wird. Auf diese Weise werden mehrere Ebenen der Realität in einem Bild festgehalten. „In meinen dunklen Stunden, als mir plötzlich meine eigene Nutzlosigkeit bewusst wurde, als mir jede musikalische Ausdrucksweise – ob klassisch, orientalisch, alt, modern oder ultramodern – nur noch als ein bewundernswertes, mühsames Experiment ohne endgültige Rechtfertigung erschien, blieb mir nichts anderes übrig, als das wahre, verlorene Gesicht der Musik irgendwo draußen zu suchen: im Wald, auf den Feldern, in den Bergen oder an der Küste, inmitten der Vögel.“
(Olivier Messiaen, 3. April 1959, zitiert nach Johnson, Übersetzung: Jan Reichow)
Das Stück entstand im Auftrag von Karin Hellqvist und wurde in enger Zusammenarbeit mit ihr geschaffen.
Im Auftrag des norwegischen Kulturrats
Karin Hellqvist gewidmet
„Es ist verlockend, Vogelstimmen zu bearbeiten, z. B. in Zeitlupe zu hören, eine Zweistimmigkeit zu hören, die unter Vögeln nicht üblich ist. So wie heute die Vögel in den Städten sogar Handymelodien nachpfeifen, lauschen wir ihren Melodien. Wir behelfen uns mit dem Holz des Baumes, den Därmen der Ziege und den Haaren des Pferdeschwanzes, um die Kehle des Vogels zu imitieren. Ich zeichne mit meinem Ohr die Aspekte auf, die auf meiner musikalischen Empfindung resonieren. Das ist nicht neu, die Folklore und die Musik basiert auf der Imitation der Umwelt. Unsere heutigen technischen Entwicklungen ermöglichen uns die genaue Betrachtung der Vogelstimmen wie durch ein Mikroskop und verblüffende musikalische Verschmelzungen. Das Eintauchen in diese andere Klangwelt ermöglicht es mir, mich aus den Konventionen der zeitgenössischen Musik zu befreien."
(Quelle: https://db.musicaustria.at/en/node/203544)
Farzia Fallah: »...und dann befreit…?« (2009/10)
„Zu jener Zeit war es für mich eine zentrale Frage, wie man generell mit Intensität oder Spannung umgeht, wie sich etwas aufbaut und wie etwas wieder nachlässt, musikalisch, aber auch im Leben.”
So entwickelt dieser Monolog für Violine aus dem scheinbar Unscheinbaren und Begrenzten heraus immer neue Klanggestalten. Dabei wird der Klangraum mit ein-, zwei- oder mehrstimmigen Linien geweitet und wieder zusammengezogen und zwischendurch auf unterschiedliche Zentraltöne komprimiert. Später verliert sich das Klanggeschehen „fließend, geheimnisvoll“, ohne jegliche metrische Bindung, zunehmend ins Ätherisch-Geräuschhafte.’
(Quelle: Dirk Wieschollek, Farzia Fallah: »Bedrohendschöne Augenblicke«, CD-Booklet Farzia Fallah, WERGO, Deutscher Musikrat, Edition Zeitgenössische Musik, mit einem Zitat von Farzia Fallah, https://www.podium-gegenwart.de/edition-zeitgenoessische-musik/alle-cds/farzia-fallah)
Stuart Wheeler: »Letter from Edward to the Scientific Community thru the Mount Wilson Observatory« (2021)
Inspiriert von Texten aus »No One May Ever Have the Same Knowledge Again«, einer Sammlung von Briefen, die in den 1930er Jahren von den unterschiedlichsten Menschen an das Mount Wilson Observatory in Los Angeles geschrieben wurden und in denen sie ihre persönlichen Ansichten über das Universum zum Ausdruck brachten, wird Stuart Wheelers »Letters from Edward to the Scientific Community thru the Mount Wilson Observatory« in diesem Programm nur zum zweiten Mal aufgeführt. Das meditative und von der Volksmusik inspirierte Stück enthält sowohl gesprochene als auch intonierte Silben, die aus dem bereits esoterischen Text destilliert wurden.rzeugung – der Meinung waren, über Erkenntnisse oder Informationen zu verfügen, die sie den Astronomen mitteilen sollten.” Einführung zu "No One May Ever Have the Same Knowledge Again."
Gesprochene Texte vom Letter from Edward
A2
The Moon Is practically all Water frozen or Ice It was formed By water evaporating From the earth Which arose and gathered Between the Earth and Sun It is hollow Like a pumpkin The inside is composed of that part of the air known as Nitrogen And very very cold Consequently its water is frozen.
If the crust of the moon Was removed, it would be a Sun bright enough To destroy the earth. There is no life upon the moon, but Without the moon There would be no life upon the earth.
A3
There is no land upon the moon Except what has been made By falling (debris) from the sky But without the moon There would be no land Upon the earth, and consequently all life Would be in the water. and Therefore we say that there is no life Upon the Moon by reason of atmospheric conditions. But There is an abundance of life In the Moon or in the waters Of the Northern half.
There is no rain there The light is always the same and the temperature has not changed One degree in a million years The water is H20. The Ice is as pure as snow and consequently the air is N40 and To make a long story short. That is a physical paradise.
A12
Etholeum - The base of all existance - it is One with Electricity and There is no place where It does not exist. It is the conduit of The Light between all of the planets and thru the telephone and the radio and without it There would be no Earth Because there would be No sound. to be transferred between The planets and Life upon the earth Etholeum, therefore is the Mother of all planetary existance and In her all things are begotten To be concieved and born of her (Providing they have not already Been born) the last of which Is human understanding.
Peter Ablinger: »Violinstück für Adam«
In Peter Ablingers „Violinstück für Adam“ treten die Absichten des Komponisten und des Interpreten miteinander in Dialog. „Musizieren“ oder „Nicht-Musizieren“, „Vermitteln“ oder „Verweigern“ stellen das Verhältnis zwischen Komponist, Interpret und Publikum neu infrage. Dabei lässt sich eine Verbindung zu Ablingers Werk „Generalstreik“ herstellen.
Jack Sheen: »Television Continuity Solos« (2016/21)
Jack Sheens „Television Continuity Solos“ fängt Musikfragmente ein und hinterfragt sie, indem er sie umdreht und herumwirbelt, anstatt sie sich linear entfalten zu lassen. Die Saiten der Geige sind verstimmt und stark gedämpft; der Spieler wird angewiesen, mit übertrieben leichten, langen Bogenstrichen zu spielen. Der daraus resultierende leise Klang steht in keinem visuellen Zusammenhang mit der auf der Bühne aufgewendeten Energie, als ob die Musik viel weiter entfernt stattfände und sanft umhertaumelte.
Biographien
Adam Woodward
Preisträger des Berlin Prize for Young Artists in 2023, Adam Woodward spielt regelmäßig als Mitglied des Ensemble Recherche und war Gründungsmitglied des Fabrik Quartets. Im Rahmen seiner Solo-, Kammermusik- und Orchesterauftritte trat er als Gast mit Ensembles wie dem Mivos Quartet, dem Ensemble Modern und der Sinfonietta Riga auf. Zu seinen letzten Festivalauftritten zählen ECLAT, Musica Nova, Acht Brücken und das Big Ears Festival. Während seiner Zeit beim Fabrik Quartet gewann das Quartett den ersten Preis beim Wettbewerb für zeitgenössische Musik Festmus re_cre@, den zweiten Preis sowie Sonderpreise beim John Cage Preis 2024 und nahm mit Unterstützung des Kamar Percy und Ingeborg John Stiftungspreises seine Debüt-CD auf, auf der Werke von Luciano Berio, Wolfgang Rihm, Rebecca Saunders und José Luis Escrivà Córdoba zu hören sind. Das Quartett war Ensemble in Residence bei Barcelona Modern und trat bei Festivals wie den Darmstädter Ferienkursen, dem Ensems Festival und dem Mostra Sonora Festival auf. Im Jahr 2023 wurde das Fabrik Quartet im Rahmen des InSzene-Programms des Deutschen Musikrats Podium Gegenwart ausgewählt. Woodwards musikalische Ausbildung begann bereits in seiner Kindheit in Minnesota, wo er die Konzerte seiner Lehrerinnen im Minnesota Orchestra besuchte. Dies führte zu einer intensiven musikalischen Ausbildung bei Sommerfestivals wie Madeline Island Chamber Music und der Lucerne Festival Academy. Als Absolvent der Shepherd School of Music an der Rice University und der Brigham Young University studierte Woodward Violine bei Paul Kantor und Monte Belknap, bevor er sich an der Internationale Ensemble Modern Akademie auf zeitgenössische Musik spezialisierte und an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt bei Lucas Fels und Tim Vogler Streichquartett und Kammermusik studierte. An einem ruhigen Abend liest Adam gerne, tauscht Buchempfehlungen aus, lernt Sprachen wie Deutsch und Russisch oder hört sich ein Album an.
Arsalan Abedian
Arsalan Abedian wurde in Teheran (Iran) geboren und erhielt seine erste musikalische Ausbildung auf der Santur, einem traditionellen persischen Instrument, bei Omid Sayareh. Sein Kompositionsstudium begann er in Teheran und setzte es an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover fort, wo er neben einem weiteren Masterabschluss auch das Konzertexamen der Soloklasse absolvierte. Zu seinen prägenden Lehrpersonen zählen unter anderem Joachim Heintz, Kiawasch Sahebnassagh, Oliver Schneller, Ming Tsao und Gordon Williamson.
Als Komponist, Veranstalter und Mitglied der Yarava Music Group ist Abedian seit vielen Jahren an einer Vielzahl von Konzerten, Projekten und künstlerischen Formaten der zeitgenössischen Musik beteiligt. In Teheran gründete er das Label Contemporary Music Records und war Mitinitiator des ersten Wettbewerbs für elektroakustische Musik im Iran, der Reza Korourian Awards, bei dem er auch als Jurymitglied und Herausgeber tätig war. Seine Werke wurden von namhaften Festivals und Ensembles in verschiedenen Ländern aufgeführt.
Abedians kompositorisches Schaffen umfasst Werke für unterschiedliche Besetzungen ebenso wie elektroakustische Musik und Klanginstallationen. In manchen Arbeiten basieren Materialwahl und Struktur auf numerischen Reihen, deren Kombinationen und Relationen klanglich umgesetzt und in kompositorische Parameter transformiert werden. Andere Stücke integrieren theatrale Elemente, neue Aufführungssituationen, räumliche Aspekte sowie Bewegungen der Interpret*innen. Einige Werke erkunden neue Klangfarben, indem sie traditionelle Instrumente mit unkonventionellen, teils absurden Spieltechniken und dadaistisch anmutenden Ausdrucksformen verbinden. Ein weiterer Schwerpunkt liegt auf der Arbeit mit Umgebungsgeräuschen, Alltags- und Objektklängen als kompositorischem Material, was insbesondere in seinen elektroakustischen Werken zum Tragen kommt. Inspiriert wird seine Musik zudem von moderner iranischer Literatur – etwa von Sadegh Hedayat – sowie von poetischen und literarischen Texten, unter anderem von Kurt Schwitters.
Bahar Royaee
Die akustische und elektroakustische Musik der iranischen Komponistin und Sounddesignerin Bahar Royaee wurde als „gelungene poetische Beschwörung, voller
Ideen und Farben“ (Classical Voice North America) und als „eindringlich“ (Boston Arts Review) gelobt.
Als Preisträgerin des „Opera America Discovery Grant 2025“ und des „Fromm Foundation Commission Awards 2022“ komponiert Bahar Musik für verschiedene Genres, von Oper, Theater und Film bis hin zur Kammermusik. Ihre Werke wurden von namhaften Ensembles wie dem International Contemporary Ensemble, dem Talea Ensemble, dem Fabriqk Quartett, dem Splice Ensemble und Lamnth aufgeführt.
Zu den bedeutenden Kammermusikauftritten zählen das Ojai Festival 2025 mit Ross Karre, das ECLAT-Festival 2025 in Deutschland mit dem FabrikQuartett, die Biennale in Venedig, Italien, 2024 mit Hannah Levinson, die Festspiele in Deutschland mit dem Ensemble Opus21 (2024), die Composer Conference Gala 2024, Ultraschall Berlin mit Muriel Razavi (2023), den Berliner Preis für junge Künstler mit Adam Woodward (2023), das ICE-Festival in Deutschland mit dem Ensemble Tempus Konnex (2022), das Teheraner Festival für elektroakustische Musik (2022) sowie das „Time: Spans“-Festival (2020) mit dem International Contemporary Ensemble und Suzanne Farrin.
Carola Bauckholt
Carola Bauckholt wurde 1959 in Krefeld geboren.Nach mehrjähriger Mitarbeit im Krefelder Theater am Marienplatz (TAM) studierte sie von 1978 bis 1984 an der Musikhochschule Köln bei Mauricio Kagel. 1985 gründete sie mit Caspar Johannes Walter den Thürmchen Verlag, 1991 das Thürmchen Ensemble.Sie erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen, z.B. 1986 das Bernd Alois Zimmermann Stipendium der Stadt Köln oder 1997 den Aufenthalt in der Villa Massimo in Rom. 1998 wurde sie mit dem Künstlerinnenpreis des Landes Nordrhein-Westfalen ausgezeichnet und 2010 wurde ihr in der Kategorie Experimentelle Musik der Deutsche Musikautorenpreis der GEMA verliehen. 2019 erhielt sie den "Best Sound Design Award" des London International Animation Festival für "Die Flunder" in Zusammenarbeit mit Elizabeth Hobbs und dem Klangforum Wien. Für 2021 wurde sie zu einer Residenz in der Villa I Tatti in Florenz eingeladen und 2022 in die Villa Aurora in Los Angeles. 2019 gab das Ensemble Dal Niente ein Portrait von ihr in Chicago, 2023 war sie Portraitkomponistin bei den Wittener Tagen für neue Kammermusik und 2024 wurde sie vom International Contemporary Ensemble in einem Porträtkonzert in New York City vorgestellt. Ihre Doppel-CD mit Orchesterwerken wurde für den Preis der Deutschen Schallplattenkritik nominiert (Maria de Alvear World Edition) und gewann 2025 den „Abbiati Prize for Recordings“ in Cremona. Im Oktober 2025 wurde sie mit dem Louis Spohr Preis der Stadt Braunschweig ausgezeichnet.Als Gastdozentin wirkte sie in Santiago di Chile (2010 und 2014), Ostrava Tschechische Republik (2011 und 2013), Amsterdam (2012 und 2014), Krakau (2012), Zürich (2012), Apeldoorn (2013), Kiev (2013) Oslo (2014, 2015, 2024), Mexiko City (2014), Monterrey (2015), London (2015), Moskau und Tschaikovsky City (2016), Valencia (2018), Barcelona (2018, 2021, 2025) Bludenz (2018, 2019), Haifa (2019) Chicago (2019, 2022), Luxembourg (2020), Graz (2021, 2025), Cambridge, Huddersfield, Scotland (2021), Los Angeles (2022), New York (2022), Stockholm (2022), Oulu/Finland (2023), Glasgow (2024), Boswil (2024), Basel (2024, 2025), Tel Aviv (2024), Trento (2025), Madrid (2025) und im Inland.2013 wurde sie zum Mitglied der Akademie der Künste in Berlin gewählt, seit November 2021 ist sie Direktorin der Sektion Musik. 2015 wurde sie zur Professorin für Komposition / Schwerpunkt zeitgenössisches Musiktheater an die Anton Bruckner Privatuniversität in Linz, Österreich berufen und ging 2024 in Pension. 2020 wurde sie zum Mitglied der Nordrhein-Westfälische Akademie der Wissenschaften und der Künste gewählt. Ein zentrales Moment der Werke von Carola Bauckholt ist das Nachdenken über das Phänomen der Wahrnehmung und des Verstehens. Ihre Kompositionen vermischen oft Elemente aus visueller Kunst, Musiktheater und konzertanter Musik. Dafür bedient sie sich gerne geräuschhafter Klänge, die oft mit ungewohnten Mitteln erzeugt werden und nicht in ein vorgegebenes Kompositionsraster eingearbeitet, sondern in ihrer freien Entfaltung beobachtet und fortgeführt werden.
Farzia Fallah
Farzia Fallah, geboren in Teheran/Iran, wohnt zurzeit in Köln und arbeitet international mit verschiedenen Musikern und Ensembles zusammen. Im Mittelpunkt ihres Schaffens stehen die Klang- und Zeitgestaltung. Sie setzt sich mit jedem einzelnen Instrument und seinen Klangmöglichkeiten auseinander, arbeitet gerne mit Musiker:innen zusammen und wertschätzt den Austausch mit ihnen. Sie hatte Uraufführungen mit renommierten Ensembles wie Ensemble Recherche, Ensemble Riot (London), oenm Ensemble (Salzburg), Ensemble Musikfabrik, Ensemble Aventure, Ensemble Garage, Ensemble S201, oh-Ton Ensemble, Zaafran Ensemble sowie Hypercube Quartet (New York), Sonar Quartett, Trio Catch, Zöllner-Roche Duo und Gitarrenduo Dewes-Klich. Ihre Orchesterstücke wurden u.a. vom WDR Sinfonieorchester, Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin und Tonhalle-Orchester Zürich gespielt. Ihr künstlerischer Weg wurde durch verschiedene Preise gefördert. 2020 bekam sie den Oldenburger Kompositionspreis für Zeitgenössische Musik, 2023 den Heidelberger Künstlerinnenpreis sowie den Deutschen Musikautor*innenpreis der GEMA in der Kategorie Nachwuchs. 2024 ist eine Porträt-CD von ihr bei WERGO in der Reihe Edition Zeitgenössische Musik erschienen. 2025 war sie als Stipendiatin in Paris (Cité Internationale des Arts). Diese Zeit war ihr von besonderer Bedeutung. Fallah engagiert sich in der freien Szene und hat von 2022 bis 2025 als Mitglied des Kuratoriums vom Musikfonds e.V . mitgewirkt. Sie pflegt auch den Kontakt zur zeitgenössischen Musikszene im Iran, wo sie nach Möglichkeiten die junge Generation unterstützt.
Stuart Wheeler
Stuart Wheeler ist Sänger, Autor und Lehrer in Los Angeles. Vögel, das Mittelalter, Hymnen an das Wetter. Master-Abschluss in experimenteller Musik an der Wesleyan University.
Peter Ablinger
"Die Klänge sind nicht die Klänge! Sie sind da, um den Intellektabzulenken und die Sinne zu besänftigen. Nicht einmal das Hörenist das Hören: Das Hören ist das, was mich selbst erschafft." Der1959 in Schwanenstadt, Österreich geborene Peter Ablinger ist, sohat es Christian Scheib einmal formuliert, ein "Mystiker derAufklärung", dessen "Anrufungen und Litaneien auf das Erkennenabzielen". Gleichzeitig ist der Komponist, der - nach einemGraphikstudium - bei Gösta Neuwirth und Roman Haubenstock-Ramatistudierte und seit 1982 in Berlin lebt, ein Skeptiker, der um diedurch Tradition aufgezwungenen kulturelleen Spielregeln und(schlechten) Angewohnheiten weiß: "Spielen wir also weiter undsagen: Die Klänge sind da, um zu hören (- nicht um gehört zuwerden. Das ist etwas anderes.). Und das Hören ist da, umaufzuhören. Mehr weiß ich auch nicht." (Christian Baier)
Peter Ablinger starb am 17. April 2025 in Berlin.
Jack Sheen
Jack Sheen ist ein Dirigent und Komponist aus Manchester, der für seinen innovativen Ansatz beim Musizieren bekannt ist, bei dem er orchestrale Traditionen mit einer weitreichenden interdisziplinären Perspektive verbindet. Sein eigenes musikalisches Schaffen umfasst Orchester- und Kammermusikkompositionen, Installationen sowie ortsspezifische räumliche Performances. Dabei bringt er sein kompositorisches Verständnis in seine Interpretationen des Kernrepertoires ein, die für ihre Präzision und Einsicht gelobt werden.
Sheen hat einige der weltweit führenden Orchester dirigiert, darunter das London Symphony Orchestra, das BBC Symphony Orchestra, das BBC Scottish Symphony Orchestra, das BBC Philharmonic Orchestra und das London Philharmonic Orchestra sowie Ensembles, die auf zeitgenössische Musik spezialisiert sind, wie das
Lucerne Festival Contemporary Orchestra, das Ensemble 10:10, das Bit20 Ensemble und die London Sinfonietta. In dieser Saison gibt er sein Debüt beim Ulster Orchestra, bei BBC NOW, der Manchester Camerata und dem Klangforum Wien.
Auch in der Oper ist Sheen zu Hause: 2022 gab er sein Debüt am Royal Opera House, wo er die Weltpremiere von Oliver Leiths und Matt Copson’s „Last Days“ dirigierte und großen Beifall erntete; das Stück kehrt später in diesem Jahr nach Covent Garden zurück. Im Jahr 2024 dirigierte er eine „prägnante“ und „wunderbar präzise“ (The Guardian) Neuproduktion von Strawinskys „The Rake’s Progress“ mit der English Touring Opera und kehrte als Gastdirigent zum Tanglewood Music Centre zurück, wo er Sir George Benjamins „Lessons in Love and Violence“ dirigierte.
Außerhalb des Opernhauses hat er an interdisziplinären Projekten mit führenden Künstlern aus den Bereichen Bildende Kunst, Tanz und experimentelle Musik zusammengearbeitet, darunter Matthew Barney, Cerith Wyn Evans, Burrows & Fargion und Elaine Mitchener. Im Jahr 2024 leitete er gemeinsam mit anderen die London Sinfonietta bei einer seltenen Live-Aufführung von Becketts „Quad“ im Southbank Centre, gepaart mit Feldmans „For Samuel Beckett“. Als Co-Direktor des London Contemporary Music Festival hat er in der gesamten Hauptstadt ausverkaufte Veranstaltungen kuratiert, die international etablierte und lokale Künstler aus einem breiten Spektrum von Disziplinen in Programmen zusammenbringen, die als „gewagt und provokativ“ (The New York Times) und „äußerst ehrgeizig und äußerst beliebt“ (The Daily Telegraph) gepriesen wurden.
Als Komponist erhielt Sheen Kompositionsaufträge von vielen der Orchester und Ensembles, die er dirigiert, und seine Werke wurden von diesen aufgeführt; hinzu kommen Aufträge von renommierten Kunstinstitutionen wie der Biennale von Venedig, der Casa de Serralves in Porto sowie dem Londoner V&A und dem Camden Art Centre. Zu seinen jüngsten Projekten zählen „Lag“, ein räumlich konzipiertes Orchesterstück, das vom BBC SSO und Ilan Volkov für das Tectonics Festival in Auftrag gegeben wurde; „Press“, ein Klavierquintett im Auftrag der Wigmore Hall und von Apartment House; sowie „Ceremony Container“, eine räumlich konzipierte Performance im Auftrag des Ensemble Mosaik und des Berliner Silent Green.
Seine Musik wurde international im Radio ausgestrahlt und unter anderem bei den Labels LSO Live, The Trilogy Tapes, Black Truffle, SN Variations und NMC veröffentlicht.
